被写体をどう切り抜くか。

 

こんにちは!
kotsumeです(・‿・)

先日、SNSでふいに流れてきた、こんな記事。

「写真映えしない場所で、プロが写真を撮ったらどうなるか」

非常に面白い内容でした。

米国の写真家、ジェナ・マーティンさんという方がトライしたこの企画。

撮影場所はどこにでもあるホームセンターで、味気ない照明売り場や、塗料のサンプル置き場やタイヤ売り場などなど。でも、ジェナさんがモデルを連れてきて撮影したそれらの写真は、撮影したままでも充分に、作品として見事に成り立っていました。

 
この記事を読んでいて私が感じたのは、写真のプロにかかればどんな場所でもフォトジェニックになる、なんていう単純なものではなく、

  
「良い写真とは、被写体をどう切り取るか」そこに尽きるなということ。
 
 
写真を撮るという行為そのものは、言わずもがな、カメラを構えて被写体を捉え、シャッターボタンを押す、というたったこれだけのシンプルな動きです。

でも、その被写体に対してどうアプローチしていくか、その方法は人それぞれで、そこが違うだけで良い写真にもなれば、イマイチな写真にもなり得ます。アプローチ、というのは単に撮影時の設定をどうするかだけではなくて、構図はもちろん、被写体が人物などの場合は被写体とのコミュニケーションもしかり。
 
 
 
十人十色、とよく言いますが、同じものを見て何を感じるか、というのは人それぞれ違いますよね。ジェナさんも自分自身が「写真映えしない場所」として選んだ場所、イマイチだと感じた場所で、おそらく試行錯誤して撮影したんだと思います。
 
どうすれば背景をドラマチックにできるか、
どうすれば被写体が魅力的に見えるか、
どんな構図にすればアーティスティックに切り取れるか
 
答えはきっと色々あって、絞りを開放気味に被写界深度を浅くして後ろをぼかす、とか、ぐっと寄ってみたり思い切って引いてみたり、とか。
 
 
こんな風に考えることって、プロに限らず良い写真を撮りたいと思っている人すべてに共通することじゃないでしょうか。
 
 
場所や被写体、撮影時の環境に対して様々なことを考えて、絞りやシャッタースピードなどの基本設定やレンズの種類、構図、色々なことをトライする。つまり、どうすれば良い写真を撮れるか、ということを常に考えるということです。
 
撮影する被写体によっては試行錯誤する時間もなく瞬間をどう捉えるか、ということになるかもしれませんが、それでもその被写体をどう切り取るか、という観点は同じです。
 
 
 
ここからはすごーく個人的、抽象的な話になってきてしまいますが、私もこれまでたくさんの撮影現場、カメラマンの仕事を間近で見てきて、うわーーー、そうきたかー!カッコいい!みたいなこと、たくさんあります。なんでこんなシンプルな設定や機材でここまでカッコいい写真が撮れるんだ、と思うこともたくさんあります。
 
撮影現場での私はオペレーション ( テザー撮影でリアルタイムに流れてきた写真をPCで確認・管理しながらカメラマンをフォロー ) をすることが多いのですが、たまにカッコ良すぎて「やばい」、みたいなことをぶつぶつ独り言を言ってしまうくらいです笑
 
まぁ、そんなため息ものの写真を撮影できるのがプロの世界でもあるんですが.…
 
 
プロの現場にいても、カメラマンがどうしたらもっと良くなるか、もっと、もっと、と考えて撮っているのが撮影している隣いると伝わってきます。

  
ジェナさんの今回の挑戦は、結果として「プロだから上手い」のではなくて、「プロだからこそ被写体の良さを最大限引き出せた」と言えると思います。プロだからこそ、どうすれば魅力的な写真にできるか、ということをとことん考え抜いて結果を出した、ということではないでしょうか。
 

  
と、いうようなことをこの記事 ( リンクは下へ ) を読みながらモヤモヤと考えていました。
 
私は写真では食べていけないと判断してレタッチへ転向した身なので、撮影に関して偉そうなことは言えませんが、最近写真を撮るとき、適当になっていたなぁと反省してしまいました。( もっぱらスマホかコンデジですが…  )
 
皆さんは、いかがでしょうか?被写体と、きちんと向き合えていますか?
 
ちなみに私の場合は、ま、多少の落ち度はレタッチすればいいや!というとっても悪い癖がついています。ダメですね。。。
 
 
そんなわけで、今回はとりとめもなく失礼しました。
今日はこの辺で。
 
 
kotsume 🙂 
 
 
今回見つけた記事はこちらです▼
http://nlab.itmedia.co.jp/nl/spv/1802/06/news011.html

写真家:ジェナ・マーティンさんのブログ ( English )▼
http://jennamartinphotoblog.com/2017/11/19/lowes-photoshoot-2/


>> Today’s Photo !  for instagram.
kotsumeのインスタはこちら 🙂

Before


After

Spring is just around the corner !

*with Apps for smartphone
Photoshop Fix / Photoshop Mix

切り抜き画像が背景になじまないワケ。

 

こんにちは!
kotsumeです(・‿・)

今日は切り抜き合成のお話を少し。

Photoshopを使用して切り抜きした後、切り抜きとしてはそこそこ綺麗にできたのに
実際に別の写真にのせて合成してみたら、

「なんか浮いてる?」「一枚の写真に見えない!」「合成したの、バレバレかも…」

なんてこと、ありませんか?切り抜きはうまくいっているつもりなのに、どうして、綺麗になじまないのか?

 

切り抜きした画像の使用方法は主に、

①別の写真を背景として使用 ( 写真と写真を合成 )
②切り抜いたまま ( バナーやチラシ用として、白黒やカラーの背景に合わせる )


この2つのパターンに分けられるんじゃないでしょうか。そこで今回は、このパターンに沿って、「切り抜き画像が背景になじまない」、その “ 理由 ” についての話です。

 



①別の写真を背景として使用 ( 写真と写真を合成 )

 
 

        +


このハリネズミを、このリンゴの隣に並べたい!という場合。ハリネズミを切り抜いた画像を配置し、サイズ感を調整します。

するとこのように、少し合成感のある画像に ( 思ったより綺麗ですが…笑 )。

ではなぜ合成感が出てしまうのか、じっくり考えてみたことはあるでしょうか?合成感が出てしまう理由は基本的に、

1.   2枚の写真のピント感が合っていない
2.   光源の位置、光の当たる方向や影などが2枚の写真で異なる
3.   写真全体のトーンや素材感、質感が異なる

この3つ。
具体的には…

1.  2枚の写真のピント感が合っていない
全く違うシチュエーション、違うレンズ、カメラで撮影された場合は特に、単純に撮影時の絞り設定やピントの合わせ方が違います。このハリネズミとリンゴの写真ももちろん全く別のところから持ってきた素材ですので、同じわけがありません。

合成①では、ピントの合っている場所を合わせるために、瓶の後ろへ配置しました。
そう、このピントについて何も考えずに配置をすると、

こうなってしまうから。これでは、合成感丸出しです。

写真にはピントの合う範囲、“ 被写界深度 ”、という考え方があるのですが、2枚の写真を合成感なく合わせたい場合、このピント感は非常に重要なポイントになってきます。

ピントの合っている場所をぼかすのは簡単ですが、ピントの合っていない場所をシャープにするのは難しい、ということも覚えておきましょう。

 

2.   光源の位置、光の当たる方向や影などが2枚の写真で異なる
1と同じ理由ですが、もちろん撮影された場所や角度が違えば、光が違います。光源のある位置が変われば影の出方も変わりますし、その光の強さによって影の鋭さや明るさなども違ってきます。

 

3.   写真全体のトーンや素材感、質感が異なる
光源が違えば、光の色も同様に変わります。いわゆるホワイトバランスです。太陽光なのか蛍光灯なのか…パッと見た感じ同じだろうと思って合わせても厳密には違ってくるので、どこか違和感を覚えることも。

さらに素材感、というのはノイズの出方やシャープネスの強弱の違いなどが挙げられます。ノイズは撮影時の感度によって変化しますし、シャープネスは撮影時の設定によるところも大きいです。

 

このような3つのポイントに気をつけて、境界線や影などを調整すれば、



           ↓↓↓

このように、自然に仕上げることができます。

 



②切り抜いたまま ( バナーやチラシ用として、白黒やカラーの背景に合わせる )


デザインの一部として使用する場合、切り抜き画像の背景はおそらく色のベタ塗り、つまり一色で塗られたもの、もしくはイラストや模様などになりますよね。

このとき、ピントがどこに合っているかや、①で述べたような光の位置や方向などはあまり、問題にはなりません。

じゃあ切り抜いたそのままでいけるんじゃないか、と思ってもなんだかイマイチになってしまうのは、なぜでしょう?

 

その画像には、

切り抜く前の背景がエッジに残っていませんか?

先ほどのハリネズミを切り抜いて、Photoshop上で白い背景に載せてみると…



背中の針や耳のあたりなど、エッジがおかしいですよね。このエッジにある、切り抜いた針の周辺の色は、ハリネズミの背景の色が残っている状態。

そう、結構キレイに切り抜いた “ つもり ” でも違和感があるとき、そのほとんどがこのように背景の色が少し残ってしまっているというケースが考えられます。

この残った背景の色がなくなるだけで、こうやって、綺麗に見せることができます。

このような状態にしておけば、

 

白でも黒でも、他の色でもイラストでも。。綺麗に合成ができます。


パッと見た感じ切り抜き自体は綺麗なのに合成がうまくいかない、
というのは、実はプロであってもよくあること。

切り抜いた画像のエッジをぼかして背景となじませましょう、影をつけましょう、というだけの説明を多く見かけます。

でも、

本当に綺麗に合成をしたいのなら、大切なのは、合成をしたあと、しっくりこない違和感がどこにあるのか?をきちんと探ること。

いくら切り抜きの方法だけ知っていてもダメ。写真についての知識や見極める力も必要です。

というわけで、私がどのようにエッジをなじませて完成させたのか、それはまた別の機会に。。

 

kotsume 🙂 

All photo by Adobe stock & Retouched by kotsume


>> Today’s Retouch !
  + 
↓↓↓



>> 
kotsumeのインスタはこちら🙂


レタッチをただの写真加工だと思っているあなたへ

 

こんにちは!
kotsumeです(๑・‿・๑)

記念すべき初投稿…まずはじめに、ちょっと真面目なテーマから。
突然ですがみなさま、

「レタッチ」ってどういう意味だと思いますか?

レタッチを本職としているレタッチャーにとっては
悲しい話なのですが、業界では影武者のような立場なので、
まだまだ縁のない方には馴染みがない単語ですね…。

でも、意味なんて知ってるよ、ていう方。
はい、きっと「画像処理」や「画像修正」という答えでしょうか。

もちろん正解です。私も最初は撮影する側の人間でしたし、
「写真を修正するソフト」と思ってPhotoshopを勉強していました。

・後ろに入り込んでしまった余計なものを消したい
・少し暗いから明るく調整したい
・ちょっとお腹が出てしまっているので少し凹ませたい

などなど…
私をはじめPhotoshopを勉強してみたいという殆どの方が、
まずは上記のような、修正したいという理由がきっかけではないでしょうか。

でも、

長い間写真の世界でPhotoshopに関わっていくうちに、
私は考え方が変わりました。

(今から言うことは完全に私の持論であり、
さらに先生からの受け売りも入っています笑)

それは……

お仕事でPhotoshopを使えるようになりたいと思っている方も、
自分の写真の幅をもっと広げたいと思っている方も…

「より良い写真を作りたい」
という気持ちに切り替えてほしいということ。

あくまで「修正する」のではなく、「良い写真を目指す」という考え方で
レタッチをすることが、実はとても大事だなーと個人的にすごく感じています。

なぜ、後ろに映っている余計なものを消したいんでしょう?
    
それは、メインの被写体を目立たせることで、
より伝えたいこと、見せたいものを強調したら、
もっと良い写真になると思うからですよね?

Photoshopは、あなたの写真をもっと魅力的にしてくれるものです。

少し話がズレますが、
私はレタッチの先生や今までの経験から、
” 日常の中で目を養いなさい “ 
と教わりました。

と言っても写真集を見漁ったり
ひたすら写真の勉強ばかりをしろということではなく、
例えば、雑誌の表紙を見比べてちょっとした肌色の違いによる印象の差を研究する。
(広告写真は肌色を調整されていることが多いです)
はたまた電車の中で向かいの席の人の靴に
照明がどのように反射しているかを研究する。
(質感によってツヤの入り方などが全く異なります)

レタッチをしていく上で、質感や素材、陰影のグラデーションなどを
勉強することは非常に役に立つからですね。

そういうところに目を向けていくと、写真から受ける
印象や雰囲気などが少しずつ意識できるようになります。

難しく聞こえるかもしれませんが
でも、ただシンプルに、色んな写真はもちろん
色んな物を見て、質感や雰囲気の特徴を感じながら
かっこいい写真って?
綺麗な写真って?
ハッピーな写真って?
と考える癖をつけていけば、
そのうち自分なりの ” 考え “や” 答え”が蓄積されていきます。

あと、自分がどういう写真が好きなのかを研究するといいです。

その” 考え “や” 答え”が知らず知らず
自分の写真に還元できてくると、撮影した写真を見て、
もっとこうだったらもっと良くなるのにな…

と、思うようになってきます。

そして、その “願い” を叶えてくれるのが、
Photoshopなのです。

ただ漠然と使えるようになりたいって思って勉強するよりも、

自分の写真をもっとこうしたい!

という気持ちで勉強する方が絶対に楽しいです。

漠然とした思いで勉強すると絶対に挫折するし、
やりたいことが出来るように、って
勉強するほうがより多く身につきます。

だってPhotoshop、真面目にいちいち全部勉強しようと思ったら、
すんごく難しいですから笑

抑えておくべき基礎、ポイントはもちろんあります。
でもまずは、

やりたいことを実現するための使い方を知ることをお勧めします。

つまり、今回言いたかったことは、
レタッチ=ただの画像修正のテクニック ではなく、
レタッチ=自分が表現したい写真の姿を実現するための手段
ということです。

このブログでは、各ツールごとやテーマを設けて、
よくあるパターンを中心に解説していけたらと思っています。
もちろん写真によって使い方も変われば
人によってやりたいことも変わってくるので、質問も受け付けます。

でも、こう書いていたから

こういう時はこのツールでこの方法、
と、絶対に決めつけないこと。

自分の写真をより良くするためにはどうしたらいいか、
まずはそれが一番だと思います。

そこを忘れなければきっと、
しっかり身について応用できるようになると、
私は信じてます。

というわけで、まずは私の考え方を
知ってもらいたくてこんなお話をしてみました。

微力ながら少しでも、皆様のお力添えができれば。
そして、Photoshop-Holicな私のつぶやきを
楽しんでもらえたらと思います。

では…今日はこのへんで。

Kotsume 🙂

>> Today’s Retouch !

_mg_0775_b

_mg_0775_a